Феномен радикального направления: как антидизайн повлиял на искусство?

09.02.2019

В моменты летоисчисления человеческой эпохи происходит множество изменений, которые мы называем "развитием". Одни мы принимаем как должное, всячески восхваляя то, что они привнесли в нашу обыденную жизнь, а другие - всячески отторгаем, объясняя такую реакцию ненормальностью таких изменений. Но случается так, что вещи, которые на первый взгляд кажутся неприемлемыми или странными, воздействуют на развитие мира куда сильнее самых "нормальных" вещей.

Сегодня, продолжая главную тему месяца, редакция Royal Design расскажет вам о том, как непривычные нам изменения могут незаметно повлиять на все сферы жизни. О короткой эпохе радикального направления в прошлом, отголоски которой мы видим в дизайне и сейчас. И о трансформациях, которые это направление привнесло во все сферы жизнедеятельности человеческого вида.

Почему отрицание системы приводит к рискованно неожиданным решениям, как может изменяться функциональность вещей от их внешнего вида и почему мы воспринимаем искусство лишь в трех измерениях, когда могли бы ощущать его всеми видами чувств, с помощью вещей, созданных радикальным направлением антидизайна: вы прочитаете уже сегодня!

Антидизайн

В дизайне 20-го века преобладала модернистская философия и идеи. Так продолжалось до тех пор, пока новый подход к дизайну не вступил в борьбу со всем, за что боролся модернизм - это было так называемое анти-дизайнерское движение, возникшее в Италии в 1960-х годах. С точки зрения архитектуры, его часто называют периодом радикального проектирования. Модернизм как свободная коллекция идей, появившихся в начале 20-го века, отреагировал на стремительные изменения в технологии и обществе. Ему удалось отделать декоративные элементы и сосредоточиться на дизайне объекта, чтобы сэкономить время, деньги, материал и труд. Модернистские дизайнеры, запечатлевшие вневременную красоту в лишней точности, полагали, что форма должна следовать за функцией. Таким образом, большое внимание было уделено стилю и эстетике.

Стремясь к функциональности, простоте и монохромной цветовой палитре, модернисты хотели создавать предметы, которые бы соответствовали современному образу жизни и были бы полезными, но ненавязчивыми. Все эти принципы были перевернуты, когда в мире был создан антидизайн.

Анти-дизайнерское движение появилось, как критика потребительской культуры и высмеиванием к излишествам итальянского дизайна и постоянному стремлению к новизне.

Сторонники этой новой тенденции были недовольны повсеместным снижением социальной значимости дизайна за счет капиталистического предпринимательства. Группа отвергла формалистские ценности нео-модерна в Италии, стремясь обновить культурную и политическую роль искусства. Поскольку дизайн Италии всегда характеризовался политическим, философским, критическим сознанием и культурной осведомленностью, новый прочтение требовало нового видения на структуру проектирования, включая политические условия в обществе потребителей. Они протестовали против фетишей потребления и предметов, а также против установленных принципов дизайна.

Антидизайн использовал различные преувеличенные и выразительные качества, чтобы подорвать чисто функциональную ценность объекта. Поскольку традиционный итальянский дизайн того периода считался вершиной интеллигентности и элегантности, они хотели поставить под сомнение эти концепции. Если учесть, что модернистская палитра была зачастую приглушенной и состояла из белого, серного и черного, Антидизайн представил яркие и смелые цвета. Вместо целостности материальных свойств они добавляли орнамент и отделку. Утверждая, что модернистская идея «совершенной формы», которая следует за функцией, не может быть достигнута, их конструкции характеризовались китчем, иронией и искажением масштаба. Функция их работ заключалась в том, чтобы разрушить то, что вы думаете об объекте. Эти произведения предназначались для того, чтобы выделиться своей причудливостью, чтобы на них смотрели и наслаждались. В то время как Модернизм воспринимал объекты как долговечные и постоянные произведения искусства, они восстали против этого, создав объекты, которые должны быть временными и легко отбрасываться из-за чего-то нового и более функционального по мере изменения тенденций. Казалось бы, это означало бы больше потребительства, но анти-дизайнеры хотели заставить людей задуматься о предмете, который они покупали.

Этторе Соттсасс писал: «Я не понимаю, почему устойчивый дизайн лучше, чем исчезающий дизайн». Это восстание против модерна стало последовательным направлением только на миланской выставке, в 1966.

Движение распалось в 1970 годах, а радикальный авангардный дизайн Италии оставался в неопределенности до первой половины 1980-х годов. Продолжая идеи анти-дизайнерского движения, Этторе Соттсасс собрал группу юных миланских профессионалов архитектуры и дизайна. Они хотели следовать ироническому подходу к дизайну, для которого поверхностное украшение стало бы первостепенным. Группа черпала вдохновение в стилях ар-деко, поп-арт и китч 50-х годов. У них не было официального манифеста, и, как писал критик дизайна и жена Соттсаса Барбара Радис, «корни, тяга и ускорение Мемфиса в высшей степени антиидеологические». Тем не менее, благодаря ярким цветам, сочетанию высоких и низких материалов и коллажных текстур, форм и видов использования, эти части ставят форму перед функциональностью. Приняв идею эфемерности, они написали: 

«Мы все уверены, что мебель из Мемфиса скоро выйдет из моды».

Интерес, связанный с Anti-Design и Memphis Group, вскоре разгорелся, так как мир устал от унылых тенденций дизайна. Тем не менее, эта эстетика повлияла но современную дизайнерскую и архитектурную отрасль и продолжает появляться в новых тенденциях проектирования.

В 2010 году основали Фестиваль антидизайна, в рамках Лондонского дизайнерского фестиваля. Экспонируемые работы были определены следующим образом: «некоммерческие» и использующие элементы «системы антидизайна». Эта эстетика пережила возрождение в последние пару лет. В течении Миланской Дизайнерской Недели в 2015 производитель гладкой пластиковой мебели Kartell представил коллекцию глянцевой скульптурной мебели от Этторе Соттсасса. В сентябре 2015 года знаменитая нью-йоркская дизайнерская галерея Friedman Benda освещала карьеру Соттсасса с 1955 по 1969 год.

Все эти ретроспективы и растущий спрос на произведения этого периода доказывают, что этот яркий и чрезвычайно энергичный подход к дизайну определенно опередил свое время и повлиял на множество течений современного искусства, в целом.

Чтобы ознакомиться с радикальным движением дизайна невозможно не рассказать о его главных героях, которые привнесли в мир гораздо больше, чем просто предметы искусства. Ниже вы сможете лично понять разницу между модернистскими движениями и антидизайном, и почему, все же, второй - гораздо более интересный и опережающий свое время!

Superstudio

Одним из представителей анти-дизайна была студия во Флоренции - Superstudio.

Их довольно экстравагантные образы не имеют аналогов в истории движения радикального дизайна в Италии: серия галлюциногенных последовательностей, содержащих массивные золотые пирамиды, городские сетки, простирающиеся к бесконечности, металлические стручки, плавающие в космосе, гигантские отражающие кубы, припаркованные в пустынных ландшафтах, и люди смешиваясь с гигантскими кактусами на фоне скалистых холмов - все они странно напоминают о потусторонних видениях легендарных писателей-фантастов Филиппа К. Дика, Айзека Азимова и Дж. Г. Балларда.

Благодаря смелым фотомонтажам, иллюстрациям, фильмам, выставкам и текстовым прокламациям флорентийская студя Superstudio повлияла своим дизайном на многих, изменив, тем самым, и само представление о возможностях развития дизайна.

Archizoom (Associati)

Archizoom Associati (1966–1974) была динамичной и утопической итальянской архитектурной и дизайнерской студией, одним из основателей флорентийского радикального движения и самым сильным голосом движения радикальной архитектуры.

Хотя это движение прожило менее десяти лет, его концепции сегодня носят уважаемый статус и являются стандартными темами в учебных и архитектурных программах, а многие из проектов студии и идеи дизайнерских изделий находятся в известных музейных коллекциях по всему миру.
Появление Archizoom произошло благодаря четырем новаторским флорентийским мастерам дизайнерского и архитектурного дела: Джилберто Корретти, Андреа Бранци, Массимо Мороцци и Паоло Деганелло - которые объединили свои силы в 1966 году, связанные их общим видением авангардного дизайна. Они направили эту энергию на свою первую выставку под названием «Superarchitettura», в которой члены Archizoom сотрудничали с Superstudio, еще одной флорентийской дизайнерской фирмой. В этой выставке они соединили образцы прототипов революционной мебели с красочными проекциями, чтобы создать почти потустороннее пространство. На первом показе была представлена знаменитая «Суперонда» (1966) Андреа Бранци, диван из пенопласта и винила, от Полтроновой, который был очень популярным последующее десятилетие.

В последующем году Archizoom организовали свою вторую выставку под названием «Superarchitettura 2.»

Вскоре после этого, они добавили в свою студию двух новых участников, дизайнеров Дарио Бартолини (1943) и Люсию Бартолини (1944). Благодаря новым творческим идеям этих дизайнеров Archizoom стали более напористыми и вдохновленными, а традиционные элементы изысканного и элегантного итальянского дизайна были отложены в пользу игривых, стремительных форм, отражающих энергию современной эры поп-арта. Нарушая эти правила, члены Archizoom также установили новые параметры для искусства, архитектуры и дизайна и способы, которыми все три могут быть интегрированы в современный образ жизни. С этой целью их дизайн выставки «Город без остановок» (1970) продемонстрировал их мощную способность расширить свое дизайнерское мышление в области современного города, включив новое видение урбанизации.

Их работы получили мировое признание благодаря демонстрации творений на знаковой выставке «Италия: новый внутренний ландшафт» в Нью-Йорке в 1972 году.

Независимо от конкретной среды, создатели Archizoom исследовали значение радикального дизайна в различных дисциплинах. Возможно, именно из-за этих индивидуальных поисков постоянных инноваций группа и распалась в 1974 году, а члены студии продолжили работу в частном порядке.

Studio Alchimia

«Алхимия» получила свое название непосредственно благодаря алхимии - псевдонаучной практики, которая пыталась превратить обычный металл в золото.

Название объясняется тем, что группа превращала банальные, повседневные объекты массовой культуры в то, что они подразумевали под настоящим дизайном.

К концу 1960-х многие дизайнеры разочаровались в отсутствии изменений и прогресса в архитектуре и дизайне. Хороший дизайн часто рассматривался как Модернизм или более ранние художественные движения, такие как Арт Деко. Студия была основана архитектором Алессандро Герриеро в 1976 году. Цель состояла в том, чтобы перейти от модернистских норм к новому стилю в дизайне.

Студия Alchimia состояла из дизайнеров, цель которых состояла в проектировании и изготовлении выставочных экспонатов, а не товаров, ориентированных на потребителя. Их изделия были созданы с помощью дешевых, доступных материалов. Дизайн отличался от модернистских течений яркими цветами и декорациями и асимметричными конструкциями. Во многих отношениях Studio Alchimia была ступенью от модернистского дизайнерского движения к Мемфисской группе 1980-х годов.

Этторе Соттсасс, который впоследствии помог основать студию Мемфис Групп (о которой вы можете прочитать здесь) был важным участником этого дизайнерского движения.

Gruppo UFO

Италия

Может показаться, словно радикальные архитектурные студии никогда, собственно, зданий и не строили. Но это не так!

Некоторые действительно баловались проектированием (или перепроектированием) пространств, часто выбирая помещения, где проходили дискотеки или так называемые «пайперы», которые были очень известны в 60-х годах.

Итальянская дизайнерская группа UFO решила взять под контроль это, казалось бы, «нейтральное пространство» - ночной клуб, в качестве готового полотна для экспериментов. Черпая вдохновение из комиксов Диснея про «Дональда Дака» и «Волшебные песочные часы», студия создала странную обстановку, изобилующую мебелью в форме песочных часов, большими фонарями и кабинкой диджея на летающем ковре.

Временные структуры и индустриальная эстетика ознаменовали эксперименты с дискотеками в эту эпоху, в то же время комментируя мрачное положение дел в мире.

Gruppo 9999

Италия

Аналогичным образом, другой итальянский коллектив, основанный в 1967 году, Gruppo 9999, превратил мастерскую по ремонту двигателей в дискотеку с мебелью, сделанной из барабанов стиральных машин и старых корпусов холодильников, назвав ее Space Electronic: он стал школой архитектуры днем и ночным клубом ночью.

Работы Gruppo 9999 также выдвигали на передний план их обеспокоенность экологическим вопросом и стремление об устойчивости. На фестивале Mondiale 1971 года на втором этаже Space Electronic был разбит огород, в то время как первый этаж был залит водой.

Этот садовый участок был просто предшественником того, что должно было случиться: в 1972 году Gruppo 9999 выиграла конкурс молодых дизайнеров MoMA, представив свой проект Vegetable Garden House.

Gruppo Strum

Италия

Gruppo Strum была итальянской радикальной дизайнерской группой, созданной в противовес функционализму международного стиля. Они были активны в Турине, Италия, между 1966 и 1975 годами, назвав их аббревиатурой archtettura strumentale (функциональная архитектура). Основателями были архитекторы, выпускники Политехнического университета Турина: Джорджо Черетти, Пьетро Деросси, Карло Джаммарко, Риккардо Россо и Маурицио Вольяццо. Группа продвигала теоретические исследования и семинары, которые сыграли роль в развитии антидизайна и радикальных архитектурных движений. Также экспериментируя с форматом дискотеки, они создали игривые, адаптируемые пространства с функциональным разнообразием: пространство для показов мод и бутиков, музыкальных вечеров и танцев.

Gruppo Strum больше всего запомнился своим зеленым травяным креслом Pratone, которое, к большому удовольствию многих, возвращается в производство итальянским производителем оригинального кресла Gufram.

Haus-Rucker-Co

Вена

Когда страхи, связанные с загрязнением окружающей среды и потенциальной катастрофой, достигли пика в 1970-х годах, Haus-Rucker-Co решила разработать «новую концепцию архитектуры».

Базируясь в Вене, группа была известна своими интерактивными выставками и разработкой утопических архитектурных идей, которые показали, как люди могут влиять на окружающую среду. Теперь их работы в период с 1967 по 1977 год стали темой «Архитектурной утопии: перезагрузка», последней выставки, которая экспонировалась в Haus am Waldsee в Берлине.

Взяв за основу идеи ситуационной игры как средства привлечения граждан, Haus-Rucker-Co организовали спектакли, в которых зрители стали участниками и могли влиять на свое окружение, становясь не просто пассивными наблюдателями. Эти установки обычно изготавливались из пневматических конструкций, таких как Oase No 7 (1972), который был создан для Documenta 5 в Касселе, Германия. Надувная конструкция возникла на фасаде существующего здания, создавая пространство для отдыха и игр, современное эхо которого можно найти в «городских заповедниках» Сантьяго-Сиругеды. Различные версии серии Mind Expander (1967-69) состояли из различных шлемов, которые могли изменить восприятие носящих их людей, например, «Голова мухи» дезориентировала зрение и слух пользователя, создав совершенно новое восприятие реальности; это также произвело одно из их самых запоминающихся изображений.

Инсталляции Haus-Rucker-Co служили критикой замкнутых пространств буржуазной жизни, создавая временную, одноразовую архитектуру, в то время как их протезы были разработаны, чтобы усилить сенсорные ощущения и подчеркнуть само собой разумеющийся характер наших чувств, замеченный также в современном произведении бразильской художницы Лигии Кларк. Современные версии такой работы можно найти в пневматических конструкциях, которые предпочитают Raumlabor и Exyzt.

Группа также использовала чувство вкуса в своих проектах: печально известные Food City I и Food City II приглашали зрителей буквально съесть свой город - съедобную масштабную модель, сделанную из частей Миннеаполиса, а затем Хьюстона и Центрального парка в Нью-Йорке.

Ant Farm

Сан-Франциско, США

Вдохновленные антикультурной средой в районе залива, Чип Лорд и Дуг Майклс основали Ant Farm в 1968 году.

Хотя первоначальная цель группы была направлена на реформирование архитектурного образования, их работа вскоре превратилась в инструмент для более глубокого самоанализа и критики, продвигаемой, в частности, бруталистской архитектурой Луи Кана и Поля Рудольфа. Через представления, инсталляции, видео, манифесты и события агитпропа, изобилующие своими надувными конструкциями, они прославляли гибкость и легкость. Эти идеи в конечном итоге привели к созданию Дома Века.

Последующие проекты, такие как знаменитое Cadillac Ranch Show, Media Burn и Dolphin Embassy, также послужили насмешливым комментарием о массовом потреблении, производстве и обесценивании окружающей среды.

Cavart

Италия

Сформированный в 1973 году «Cavart», что означает «карьер», был назван в честь места, где состоялось первое выступление группы: карьер Монте-Лонзина, около Падуи. Часто захватывая такие отдаленные места на окраинах городов, группа в основном проводила семинары, представления и семинары. Самым известным из всех был недельный семинар «Культурно невозможная архитектура», в котором в 1975 году приняли участие более ста участников, в том числе Уилл Олсоп и Марко Занини.

Cavart неустанно трудились, чтобы покончить с идеалами и эстетикой буржуазии, выступая за более значимые отношения между архитектурой и окружающей средой.

Их мастерские часто приводили к созданию всплывающих городов, которые создавались с нуля всего за несколько дней, со структурами, сделанными из недорогих, повседневных материалов, которые были легко доступны для всех.

ЕЩЕ ИЗ РАЗДЕЛА

Автор:

Армине Авакян
 

 
 
Share
Прислать
материал
Новое на сайте
Показать еще
Архитекторы
Все архитекторы
События
2019-02-23
Категория события Выставки
2019-02-27
Вход: предварительная регистрация
Адрес: Украина, Киев, МВЦ, Броварской пр. 15
Категория события Выставки
2019-02-28
Вход: предварительная регистрация
Адрес: Украина, Киев, МВЦ, Броварской пр. 15
Категория события Выставки
2019-03-01
Вход: предварительная регистрация
Адрес: Украина, Киев, МВЦ, Броварской пр. 15
Категория события Выставки
2019-03-02
Категория события Конференции
2019-03-02
Вход: предварительная регистрация
Адрес: Украина, Киев, МВЦ, Броварской пр. 15
Категория события Выставки
Все события